El Expresionismo Abstracto

expresionismo Guggenheim Bilbao

Desde hace unos meses hay en el Guggenheim Bilbao una exposición irrepetible, la primera gran muestra del Expresionismo Abstracto americano organizada en Europa desde 1959. Es una exposición de aquellas que merece la pena ir a ver para disfrutar de la pintura que se manifiesta bajo el concepto de Expresionismo Abstracto, este gran movimiento artístico americano que -nacido después de la gran Depresión y que emergió en las décadas de los años 40 y 50 del siglo pasado- situó a los Estados Unidos en el centro de la escena artística. Al Expresionismo abstracto también se le conoce como Escuela de Nueva York, pero esta denominación abarca otras artes (música, diseño, poesía, teatro…). Con el fin de la segunda guerra mundial y el retorno a Europa de muchos de los exiliados, la influencia surrealista disminuyó y el movimiento se hizo más genuinamente norteamericano.

Con más de 130 pinturas, esculturas y fotografías procedentes de colecciones públicas y privadas de todo el mundo, podemos ver obras de los artistas estadounidenses de la zona de Nueva York vinculados con este movimiento, como Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Philip Guston, Franz Kline, Robert Motherwell, Barnett Newman, Aaron Siskind, David Smith…; otras figuras de San Francisco como Clyfford Still, Sam Francis, Mark Tobey y Minor White menos conocidas, pero no por esto menos relevantes, así como de algunas de las muchas artistas que estuvieron en primera línea del movimiento: Helen Frankenthaler (esposa de Motherwell), Lee Krasner (esposa de Pollock) y Joan Mitchell.

¿Cómo y dónde se fraguó este movimiento con formas espontáneas? Pues tiene sus raíces en el surrealismo europeo. Entre los emigrantes de Europa en América había artistas formados en Alemania o los Países Bajos y comenzaron a trabajar y exponer en América por los años 40. El iniciador de este movimiento fue Arshile Gorky (Armenia 1904-Connecticut 1948) armenio exiliado en Nueva York. Recibió la influencia del surrealismo e hizo de puente entre la pintura europea de entreguerras y la escuela norteamericana. Detrás de Gorky los artistas Pollock, Rothko y De Kooning rompieron las convenciones establecidas e inauguraron una nueva etapa en la pintura. El Expresionismo Abstracto fue fruto de la experiencia común de estos artistas de Nueva York que cada uno de ellos tenía un estilo propio y único sin una fórmula fija: cada artista se expresaba con su propia libertad individual. Si bien el Expresionismo Abstracto se percibe a menudo como un todo unificado, en realidad fue un fenómeno extremadamente complejo, variable y poliédrico. Nueva York se convirtió en esa época en la capital artística mundial desbancando a París que había sido, durante siglos, el epicentro del arte, lugar donde iban a parar artistas, marchantes y coleccionistas.

El sello de identidad de este movimiento es la medida de las obras: enormes pinturas de 2x2m e incluso de 6×2,5m. El motivo es que algunos de ellos empezaron a trabajar en grandes murales para el Federal Art Project. Esta exposición en el Guggenheim Bilbao pone de relieve la diversidad del movimiento como uno de sus factores clave. Los artistas del Expresionismo Abstracto son muy versátiles: conciben la superficie de la pintura como all over, cubren toda la superficie para significar un campo abierto, sin límites en la superficie del cuadro: el espacio pictórico se trata con frontalidad, no hay jerarquía entre las diferentes partes de la tela; trabajan tamaños pequeños o grandes, pintan con colores brillantes planos o en relieve, óleo sobre lienzo o papel, eliminan la figuración, su cromatismo es limitado: blanco y negro, o colores primarios: magenta, amarillo y cyan. Asimismo, expresan sus emociones y transmiten la sensación de estar presentes en la obra. Pretenden el encuentro entre el artista y el espectador, buscan un “enfrentamiento”, donde el componente final de este sea la percepción del observador.

Stefan Zweig en su artículo El misterio de la creación artística se pregunta: ¿Qué pasó en el interior del artista en estas horas de la creación?… Nos encontramos ante un fenómeno extraño: todos los creadores, ya sean poetas, pintores o músicos nunca nos revelan el secreto de su creación. Y es que cuando crean están en éxtasis, es decir “fuera de sí mismo”. Y si está fuera… ¿dónde está? La respuesta es muy simple: está en su obra, no está en nuestro mundo, sino en el mundo de su obra. El artista sólo puede crear su mundo imaginario olvidándose del mundo real.

Para Arshile Gorky «pintar un cuadro no es un proceso dirigido por la razón sino un acto espontáneo, una acción corporal dinámica, un automatismo psíquico lo que me hace salir de la mente símbolos y emociones universales». Y Pollock cuenta que «extiendo la tela sobre el suelo, y corro o bailo a su alrededor y dentro de ella, derramando la pintura de manera uniforme. No trabajo sobre el lienzo sino metido en él. No trabajo con utensilios tradicionales, sino mediante la técnica del dripping, el «goteo», que consiste en dejar chorrear la pintura desde un recipiente con el fondo agujereado y que yo sostengo en la mano. De esta manera pintar no lo hago con la mano, sino con un gesto de todo el cuerpo. Puedo caminar alrededor de la tela, trabajar desde cualquiera de sus cuatro lados e introducirme literalmente dentro del cuadro».

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No podemos dejar de hablar de la audacia de dos mujeres que colaboraron en gran medida, con su soporte y determinación, en la proyección de estos artistas. Hablamos de dos mujeres galeristas: Peggy Guggenheim (NY 1898-Venecia 1979) –nieta de Salomon Guggenheim– con su galería Art of This Century y Betty Parsons (NY 1900-NY 1982) con la Betty Parsons Gallery. Dos mujeres que entraron en el mercado del arte de manera bien diferente pero que ambas lograron –una como mecenas y coleccionista y la otra con contratos con los artistas– que los artistas del Expresionismo Abstracto cogieran renombre.

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